【找到屬於你的力量，帶走——《阿忠與我》訪談與側記】系列走入第四篇，與王榆鈞視訊訪談（6月22日）和筆者完稿，落在中央流行疫情指揮中心宣布雙北地區疫情警戒提升至三級（5月15日），以及全國降二級（7月27日）時日之間，《阿忠與我》8月份巡迴臺中國家歌劇院，從懸而為定，終於在放寬措施下復排（上圖）。
➤ 編按：【找到屬於你的力量，帶走——《阿忠與我》訪談與側記】系列文章的起心動念與前情提要：https://reurl.cc/7yOR7l
✦〔1〕你們在做什麼？ https://reurl.cc/NrY8qk
✦〔2〕阿忠‧阿忠 https://reurl.cc/9rDA4V
✦〔3〕尋找邏輯之外的「超語言」 舞台燈光設計李智偉 https://reurl.cc/5ryaNq
本篇其中一個切角，將會延續第三篇〈尋找邏輯之外的「超語言」 舞台燈光設計李智偉〉後半，加深阿忠與「我」的輪廓。經過台北首演、數個訪談、觀眾回饋以及偶然一次和媒體同業的談話後，在書寫過程，《阿忠與我》的「我」，出現越漸清晰和廣泛的輪廓。「我」從初始編創者周書毅，擴增到參與團隊的個人以及觀眾——「我」來看阿忠，來看阿忠代表的群體，與《阿忠與我》想探索的命題。
阿忠與「我」在這本文，也可代稱為「阿忠與王榆鈞」。
王榆鈞與周書毅合作始於2013年《關於活著的這件事》，本身為歌者之外，音樂創作涵蓋劇場、電影、影像、詩歌、展覽等多元領域，對於舞蹈和音樂的關係，她稱之「身體與聲音的對話，是一塊很大的世界。」
《阿忠與我》在七月份「微解封」限制進場人數的狀態下復排。
【沈浸式的旋律與聲響】
她也是周書毅合作的固定班底了，從旁觀察夥伴，看得也很透徹，「從《Almost 55喬楊》（2019）到《阿忠與我》（2021），周書毅的脈絡是有跡可循的，從身體出發，透過跟資深藝術家工作，認識這人的生命經歷，而後表達和探索一些議題。」從前輩身上取經的脈絡來到《阿忠與我》，關於音樂設計，周書毅與她初始的共識是「單純」，主因該作在醞釀之初，便想置入文字和口白（後發展出V.O.（Voice Over，指稱預錄旁白）與提供視障者的口述影像），在聽覺上訴求不過度干擾。
「單純」為整體調性，將全作音樂拆解出「旋律」與「聲響」，更能聽出王榆鈞賦予《阿忠與我》的細節，即便觀眾不一定能聽辨出來，而這也是驅動筆者撰寫本篇的原因，拆解音樂組構的過程和單元，比「成果」更耐人尋味。
翻看二月份某一周於實驗劇場try out的手記，對比排練場聽到多是片段，我身在鋼架柱梁管線構成的黑盒子，清晰感受聲響迴繞空間、於壁面反彈回耳的振頻，未知是何物造成的「墜落」聲響，在黑暗裡揚起餘音，偶爾嘗試閉眼聆聽，又是另一番感受——「沈浸」，是這些旋律與聲響給予我的明確印象。
「V.O.有兩種，或是要這一種（升噪）？」排練現場，在暱稱〈太空漫遊〉段落，她問阿忠，「要David Bowie〈Fly on Mars〉？現在音樂是比較沈的，要星球（感）嗎？阿忠喜歡黑洞，或是要去一個星球？」
阿忠想了想説：「所有星球最後都會變成黑洞。」
最後他們達成共識，這段音樂要很深很深，卻不一定要往陽光方向去。
若把聽覺層次比喻成味蕾舌尖，王榆鈞像現場調配味道的料理師，也像剪接師，面對的不是螢幕，而是排練場畫面，根據反饋酌加音色。
當我們細談旋律與聲響的組構，她忽然驚覺，「這次配樂完全沒有用到我擅長的電吉他！」迅速在腦中閃迴段落，確實沒有任一電吉他音符出場，主由鍵盤與合成器，結合眾多「實錄素材庫」，王榆鈞也說明，特別往「沈浸式」方向製作，以回應「單純」基調；又劇場配樂不同於影像、電影等文類多從主題出發，寫出朗朗上口的主旋律，《阿忠與我》沒有主旋律的存在，「如果真要說，是從他們兩個（指周書毅和鄭志忠）的身體出發。」
「《阿忠與我》沒有主旋律的存在，音樂是從他們兩個（指周書毅和鄭志忠）的身體出發。」——音樂設計王榆鈞。
王榆鈞（右）錄製阿忠的聲音，作為音樂使用素材庫。
讓音樂以「沈浸式」手法，如水和空氣般漫散的另一個原因，是舞台為空台，「我們利用聲響創造出不同環境，例如宇宙漂浮，或沉到大海，又好像來到公園，或是（阿忠）自己的小房間。」 排練第一天，王榆鈞便帶了先做好的音樂到達現場，全作總計的音樂素材量遠遠多過於演出呈現，「製作音樂的過程，並不是他們排練的一段、再根據那一段去發展。而是從最前期對話當中，經過消化、吸收，我便開始著手，再帶著階段性成果跟他們撞擊，比較是共創的對話關係。」 音樂與段落的合鳴是有機的生成，她也刻意在部分段落運用「低頻」，讓聽障者能感受到空間震動。「為了這個製作，我特地重新聽盲人音樂家『Moondog月犬樂團』的音樂（詳見文末「一起聽聽王榆鈞的歌單」段落），他的作品影響了Philip Glass、John Cage等等，當我聽他的音樂，有一種說不上來的pure，單純、純淨，內心會有一種奇妙的清澈感。我希望《阿忠與我》的音樂，也能讓聽的人感受到這種質感。」
【拿掉一種感官 「自我限制」下的音色】
特別想指出用在〈公園〉段落的鋼琴曲，簡練音色是由雙手各兩根手指彈奏的旋律，也是排練前就已生成，原曲全長30分鐘，產出方式別有用心，「彈奏時，我想像一隻手是周書毅，一隻手是阿忠，每隻手只用兩根手指，並維持相同距離，在有所限制狀態下進行彈奏。」拿掉一種感官的「自我限制」方式，另如閉上眼睛在黑暗裡彈奏、只用幾個音符、幾種樂器編曲等，在形式上呼應〈阿忠與我〉內容。
另外，「實錄素材庫」是取樣周書毅與阿忠和地板接觸的聲音，結合部分現場收音，於演出當中放大；佔有重要關鍵的「墜落」聲響，也是錄自阿忠身體：如重擊、跌落、包括拐杖、輪椅、小板車等輔具的撞擊等，觀眾還會聽到「叮鈴鈴」的鈴鐺聲，是來自阿忠綁在電輪上、作為日常交通使用的鈴鐺。她提及這些都是在日常容易被忽視的聲音，透過做成節奏、摻落在音符之間，使之成為sound image（聲音意象/聲音成像），讓聽者透過聲音而後成像。
「製作音樂的過程，並不是他們排練的一段、再根據那一段去發展。而是從最前期對話當中，經過消化、吸收，我便開始著手，再帶著階段性成果跟他們撞擊。」——音樂設計王榆鈞。
【我們經常帶著已知 去提供他人的欠缺與需要】
回應《阿忠與我》的「共融」議題，希冀作為開放給不同障別欣賞的演出，王榆鈞說：「我會很嚴肅，但也很放鬆去看待這件事。『嚴肅』是即便不可能以一個作品，就能得到解答，團隊用我們的方式、努力靠近想達到的『共融』目標，並透過try out的經驗，才理解原本想法很天真（指稱剛開始，為了給視障朋友欣賞演出，加入文字敘述V.O.），但這些敘述對視障朋友是沒有用的。記得實驗劇場第一次對外觀眾try out完畢，一位視障朋友說法很扎心（原話約是：這部作品沒有歡迎給我們視障朋友來看的意思），但同時也點醒對應到生活中，我們經常帶著已知跟認知，以為能提供他人欠缺與需要，但其實這些給予，或許是他不需要的，其中存在著天南地北的差距。」
王榆鈞的反饋，對應本系列文章其他兩位受訪者（周書毅與李智偉）所說，欲朝向「共融」途中遇到的困難，「感同身受」是不適用的，根本差異，即是他們與阿忠或其他障別人士之間的不一樣，當肢體健全者欲趨向障礙者，差異便形成障礙與藩籬。例如，視障者的「口述服務」，是得在文字上協助建立劇場環境、情節、正在發生的事情，而非只是表演藝術的「感受性」。
作為記錄者與觀眾，我不也如此？既然無法身受，如何感同？
不過，這些「難」沒有阻擋《阿忠與我》日後的構成，我想這也是此作有多次try out、在公共空間舉辦快閃演出、工作坊的原因，主動並大方地面對群眾。印象深刻有身障觀眾對阿忠說，「沒想到你的肢體可以運用到這樣的程度。」以及對於周書毅使用輔具的能力感到好奇，「你怎麼把輪椅操做得那麼好？」「因為我有個很好的輪椅老師——阿忠！」
困難與獲得是反身鏡，在思索與實踐中互補、相生、映照。
王榆鈞分享參與本製作跟預期最大的落差，是「沒有想到會這、麼、難（加強語氣），各種難！人與人的相處、認知差異，關於『活著』的討論。另外，書毅希望《阿忠與我》是一個共創作品，意味大家一起讓它長出來，而不是編舞家關起門、訂好整排時間，找人排練。因此《阿忠與我》發展時間非常漫長，遇到搖擺與停滯時，需要很多耐心，像開一艘大船，有這麼多人花這麼多時間、投入心力，但也是《阿忠與我》難得又珍貴的部分。」
「如果不是遇到『共融』議題，就不會出現調整的需求，也不會花這個作品超過一半時間的去做。」
各種「難」是獲得，另一個獲得，是她終於敢跟「前輩」阿忠講話了。
其實，早些年便在劇場見過阿忠，相識不相熟，多次在演出中場或結束後，看見阿忠在場外抽菸換氣，「他在那邊自成一個世界，還是不要去打擾他比較好。」
逾半年後的現在，她在這部作品裡，一點、一點去認識這個人，「看到阿忠的樂觀、豐富學識、身體的巨大能量，以及長年從事表演藝術的意志力。」她說，「進到中後段排練時，每次我狼狽地到達排練場（經常是因為前一天熬夜趕製音樂），阿忠會很有元氣地說：『哈囉榆鈞同志早安！』很有趣的稱呼。例如他的電輪上綁了一隻小兔兔，有時路上遇到小孩，聽到小孩問媽媽『為什麼叔叔是這個樣子？』他會用小兔兔當介質，跟他們回應等等，很溫暖的一面。」
【想寫一首歌給你】
阿忠與「我」在製作中長出細節，也將有令人期待的旁支分系。譬如本作負責「演出紀實」的影像工作者林婉玉，早些年便已著手阿忠的紀錄短片，這次演出也成為延伸；王榆鈞說，未來還想寫一首歌，其中關鍵句來自某一回排練，她負責在擔任口述者，說出一段描述阿忠、事後再三咀嚼都非常喜歡的語句，「即使我的頭上已經長了白髮，我的腳停留在童年的時候。」
這段即席口述，是在細微觀察阿忠身體一段時日後的靈光一閃，「看阿忠的腳，其實很大shock（震驚），雙腳像嬰兒一樣白白嫩嫩，他要怎麼買襪子呢？穿鞋子肯定很麻煩。那震驚不是憐憫或獵奇，而是這個人與我過往的理解有那麼多不一樣，也更加不斷提醒自己：不能用已知去想像很多事情。」
對於即將開啟巡演的台中場與高雄場，王榆鈞透露，若還有機會調整，她還想再琢磨拋光，讓《阿忠與我》音樂更接近她鍾愛的Moondog音樂般「清澈」感受，「是很內在抽象的層次，也許不是換一首曲子或改變音符而已。」
訪談末尾，我問她，劇場背景出身，如今涉獵領域涵蓋劇場、電影、歌者，2020～2021年與北師美術館《不朽的青春—臺灣美術再發現》同名之展覽音樂專輯，與畫作對話又是一次首度嘗試的類別。下一個想嘗試與挑戰的文類呢？「想嘗試跟平面攝影對話，以及跟食物對話。」她是不食蛋奶的素食者，料理是日常的一部分，卻還沒有機會藉由音樂與蔬食合奏。
以音樂為媒介的經驗眾多，還想嘗試的文類恆在，王榆鈞分享，文類主題千變，她持遠不變的核心是「聆聽」，「即使透過不同媒介來詮釋，在創作之前，更重要的是『聆聽』，聆聽全新的空間，聆聽環境場域，以及這世界的聲音。無論是跟自己對話、在不同領域跟不同人合作的對話，因為聆聽，真地聽見與覺察，能讓我不斷對話下去。」
「在創作之前，更重要的是『聆聽』，聆聽全新的空間，環境場域，以及這世界的聲音。無論是跟自己對話、在不同領域跟不同人合作的對話，因為聆聽，真地聽見與覺察，能讓我不斷對話下去。」——音樂設計王榆鈞。
資深劇場工作者鄭志忠，為此次《阿忠與我》編創者之一。
【《阿忠與我》台中、高雄場 演出訊息】
8月13日至15日，臺中國家歌劇院 小劇場 www.opentix.life
9月4日至5日，高雄衛武營國家文化藝術中心 戲劇院 www.npac-weiwuying.org
王榆鈞（Yujung Wang）
畢業於國立臺灣藝術大學戲劇系。音樂創作者，歌者，創作領域涵蓋劇場、舞蹈、詩歌、電影等，喜歡電子音樂，也用合成器作曲，狀似渴望朝向未來，內裡卻嚮往遠古，著迷原音樂器，2011年雲門流浪者計畫赴土耳其學習「烏德琴」，2013年成立「王榆鈞與時間樂隊」。出版音樂作品有《凹》EP、《沙灘上的腳印》概念專輯、《不朽的青春》展覽音樂專輯、王榆鈞與時間樂隊《頹圮花園》、王榆鈞與時間樂隊《原始的嚮往》專輯等。其中《頹圮花園》獲2014年第五屆金音創作獎最佳民謠專輯獎、《原始的嚮往》獲2019年第十屆金音獎最佳民謠專輯獎。近期配樂作品如電影《訪客》、《野雀之詩》，VR《留給未來的殘影》，短片《須菩提的眼淚》、《肇事者逃逸》、《謎絲》，《Break and Break！無用之地》周書毅身體錄像展演，吳耿禎《穿牆術》等。
以下為自述：「持續走在邊界，喜歡觀察存在於生活周遭的事物，讓日常的片刻轉化成音樂裡各種表情。近年特別關注實驗聲響與身體的對話、影像共同創造出的內在聽覺空間，在詩句縫隙間的音樂風景。探究時間軸線裡往未來未知的聲音，同時也向著古老大地的呼喚。期待能繼續在世界不同角落創作，紀錄當下空氣裡的振動，以及生活的氣息；在詩與歌的脈絡裡找到一種文化對話的方式。」
https://www.yujunwangsound.com
https://www.facebook.com/yujun.music
【一起聽聽王榆鈞的歌單】
✦ 王榆鈞第一次認識Moondog（月犬樂團）的音樂〈New Amsterdam〉https://youtu.be/S-kk65_HjzA
✦ 1992年Moondog Live in Stuttgart https://youtu.be/gQrLsSEAqPI
✦〈Prelude and fugue in A minor〉https://youtu.be/34C4NTfQvgM
✦《不朽的青春》展覽音樂專輯 https://www.soundscape.net/a/15442
